地铁世界名画欣赏（2018-06-11）
2018-6-11微信朋友圈里盛传一条消息＂上海地铁又要在全国出名了，这是因为……＂：2018年6月1日，由上海地铁联合艺术时尚生活品牌物兮物【国际艺术时尚生活品牌Museums & Galleries(中文名称：物兮物)】和英国国家美术馆共同在陕西南路地铁站推出“物兮物＊英国国家美术馆致敬大师艺术长廊”。届时，上海地铁与物兮物将携达·芬奇、梵高、莫奈等世界顶级艺术大师作品空降陕西南路地铁站。 我的好友将其参观后的照片发给我，照片显示出画展的橱窗内光线柔和，画面色彩丰富，我虽然没有什么艺术细胞，但被这些世界名画所吸引，勾起了前去观看的欲望。6月11日中午乘地铁10号线前往陕西南路站，到站后，三步倂作二步，穿过站厅，只见画廊前人们或认真拍摄或专注静赏，长长的一条通道俨然成了高雅的艺术殿堂。中午时刻往来的乘客相对稀少，平日里行色匆匆的乘客，纷纷停下脚步，驻足欣赏，拍摄留念，要等好长时间才能见缝插进，拍摄到一张照片。（凡照片右下角有＂糖水＠琴琴＂水印的都是她的作品，在此向她表示感谢！）
英国国家美术馆（The National Gallery，又译为国家艺廊），是位于英国伦敦市中心特拉法加广场的正北方向。国家美术馆又称伦敦国家美术馆，成立于1824年。当时仅有38幅画作，从这些由乔治四世说服政府购买林布兰、拉尔等人的38个作品，陆续拓展为现在以绘画收藏为主的国家级美术馆。 1997年时与泰特美术馆交换60幅作品，使得国家艺廊的画藏集中以1260年至1900年间的作品为主，泰特美术馆则偏向1900年后的绘画。国家美术馆收集了从13世纪至19世纪、多达2,300件的馆藏绘画作品。由于其收藏属于英国公众，因此美术馆是以免费参观的方式向大众开放，但偶尔也有要收费的特展。 英国国家美术馆分为东南西北四个侧翼，所有作品按照年代顺序展出，早期文艺复兴有达芬奇著名的《圣母子与圣安妮、施洗者圣约翰》炭笔素描。全盛时期有意大利及日耳曼的绘画。1600年至1700年之间有荷兰、意大利、法国、西班牙的绘画。 1991年增建的Sainsbury Wing收藏1260至1510年早期文艺复兴艺术，最著名之一为达芬奇「The Virgin and Child with Saint Anne and Saint John the Baptist」炭笔素描。 西翼（West Wing）是1510至1600年代文艺复兴全盛时期，意大利和日耳曼绘画，许多巨幅绘画都在此绝妙呈现。 1600至1700年绘画收藏于北翼（North Wing）中，有荷兰、意大利、法国和西班牙的绘画，其中有两间林布兰专属展室，以及Diego Velazquez的维纳斯油画「The Toilet of Venus」。 东翼（East Wing）的1700至1900年代绘画，包含了18、19及20世纪初的威尼斯、法国和英国绘画，风景画是一大特色，也有浪漫派和印象派等许多佳作。 特色编辑 英国国家美术馆入内参观不需付费，采取自由捐献方式，欲进一步了解主要作品的背景解说，可以向服务台国家美术馆入内参观不需付费，采取自由捐献方式，欲进一步了解主要作品的背景解说，可以向服务台领取携带式导览设备。这里终日人如潮涌。不论是巴黎卢浮宫和奥塞美术馆，还是梵蒂冈博物馆和荷兰凡·高博物馆等许多欧陆美术馆，它们的许多藏品其实在国内的出版物上都见过。但是，不知是何原因，英国国家美术馆的藏品却在国内罕见。在英国国家美术馆迷宫似的展厅，从达·芬奇、拉斐尔，到威尼斯画派、英国山水画派、法国写实派、前期印象派，直到塞尚、梵·高。所有学西画的画家，到英伦最幸福的事，便是天天啃着面包，喝着矿泉水泡在美术馆中。 建立日 ： 1834年。地点 ： 英国伦敦特拉法加广场
《威尔顿双联画》未知艺术家（法国），约1396年，国际哥特风格，木板上用蛋彩画和金箔镀金，57 x 29.2 厘米，国立画廊，伦敦 《威尔顿双联画》是英国国际哥特风格最杰出的典范。精美而又充满宫廷气派的国际哥特风格，流行于欧洲绝大部分地区，双联画在意大利、波西米亚、英格兰都很常见，在法国艺术家那里也最为普遍。这幅由橡木制成的祭坛画，可以折叠，方便携带，为英王理查二世（1367-1400）所绘。画中左手边的跪着的就是英王。他在被自己的庇护人施洗者约翰介绍给圣母玛利亚，面前还有忏悔者圣爱德华和圣爱德蒙，两位都是英国以前的国王。 画中充满了个人的象征符号。理查和排成队列的天使们，都带着一个胸针，其形式是他个人的象征：用链锁着的白色雄鹿。君王的红色长袍上镶嵌有金色雄鹿和金雀花荚果，在他的衣领上也很明显。从现存法王查理六世衣领上的纹章推断，这件作品创作于1396年前后，当时理查迎娶了法国的伊莎贝拉，两个王朝交换了彼此的徽章。为了得到祝福，理查将圣乔治的旗帜交给圣母玛利亚， 旗杆上方的小球上有很小的英格兰地图。因此，双联画可能被用来强调理查享有皇权的神圣权力。
《威尔顿双联画》
1483年，达芬奇接到来自米兰的一个宗教团体的请求，作为米兰的圣弗朗切斯科教堂的一间礼拜堂作的祭坛画，也就有了《岩间圣母》，用作教堂的装饰。该画作是标志达芬奇创作巅峰开始的作品。作品完成后，达芬奇非常满意，他提出增加酬劳，但是遭到了该宗教团体的拒绝，便一怒之下把这幅画作卖到了别处，也就是目前巴黎卢浮宫收藏的这幅《岩间圣母》。 几年之后，这个宗教团体要求达芬奇归还这幅作品，达芬奇本来想重新创作一幅新的作品，但是受到了宗教机构反对，他们坚持要一幅与原作一模一样的作品，于是就有了现在收藏于英国国立美术馆的这幅“模仿”作品。 英国伦敦国立美术馆1号宣布，他们在对该馆收藏的达芬奇重要作品之一《岩间圣母》扫描时发现，在这幅图画下面还隐藏着另一层达芬奇亲笔所画的图画，揭开了达芬奇为什么要创作两幅一模一样的作品的谜底。 这层偶然发现的新图画描绘了跪在地上的圣母玛丽亚，她的眼睛凝视地面，一只手放在自己的胸部，另外一只胳膊向外伸展着，手指都触碰到了画框的边缘。这层画作并未完工，专家们认为达芬奇可能还计划在她的身前画上圣婴耶稣。 美术馆研究人员拉谢尔·比林格说，要不是使用红外线对这幅作品进行扫描，人们可能永远也不会发现其中隐藏的玄机。 圣母玛丽亚一手置于约翰头上，另一手如鹰爪一般，仿佛正抓住一个无形的人头。而下方天使乌列做出一个有如要将隐形人的头砍下的手势，这与《最后的晚餐》上玛丽亚肩膀上的手势如出一辙（此画引起教会惊恐，最后达芬奇重画了一幅，画面的安排比较正统，现在伦敦国立美术馆，名为《岩间的玛丽亚》）。 画作描绘了身着蓝袍的圣母玛丽亚抱着一个婴儿坐在那里，那个婴儿应该就是耶稣。乌列坐在玛丽亚的对面，也抱着婴儿，那个婴儿应该就是施洗者约翰。奇怪的是，画作却一反常理，画的是约翰为耶稣祈福而不是耶稣为约翰祈福……耶稣正服从于约翰的权威！更成问题的是，画中玛利亚一手置于约翰头上，另一只手则做出一个威胁的手势——她的手指看上去像鹰爪，仿佛正抓着一个看不见的人头。最明显而又最令人毛骨悚然的画面要数玛利亚弯曲的手指下方的乌列——他做出一个砍东西的手势，仿佛要把玛利亚弯曲手指下抓住的人头从脖颈处砍下来。
《阿尔诺芬尼夫妇像》（The Arnolfini Portrait，全名：Portrait of Giovanni Arnolfini and his Wife ，又译：“乔凡尼·阿诺芬尼夫妇像 ”或“阿诺菲尼夫妇 ”或“阿诺芬尼夫妇像”）是尼德兰画家扬·凡·艾克1434年创作的一幅木板油画，现藏于英国国家美术馆（伦敦国家美术馆）。 该油画描绘了尼德兰典型的富裕市民的新婚家庭，逼真地刻画了阿诺芬尼夫妇肖像。该画用色十分细腻，画中的主人翁是阿尔诺芬尼和他的新婚妻子。阿尔诺芬尼举着右手，似在宣誓。他的妻子则虔诚地微低着头，伸出右手表示永作丈夫的忠实伴侣。画家对环境一一进行刻画。真实地描绘了典型的资产者形象，不仅再现夫妇的外貌和个性特征，而且对室内的环境什物作了极其逼真的描绘，显示了画家特殊的造型才能。《阿尔诺芬尼夫妇像》不但是新型油画深入表现的最早尝试，也是后来发展起来的风俗画和室内画最早的先例。
《阿尔诺芬尼夫妇像》
装备着98门船炮的“无畏号”（Temeraire）在1805年的“特拉法尔加海战”（the Battle of Trafalgar）为尼尔森的胜利立下了汗马功劳，之后该战船被誉名为“战舰无畏号”（The Fighting Temeraire）。该战舰服役至1838年，退役后，从希尔内斯（Sheerness）被拖曳至海斯（Rotherhithe）解体。 《被拖去解体的战舰无畏号》的油画作品意在表现当时日渐衰落的英国海军，以及老式风帆战舰在蒸汽动力出现之后的没落。 油画中可以看到，无畏号仿佛在雾霭里一般朦胧，桅杆上的帆紧紧收着，驶往东方，渐渐远离平静的海面，以及太阳落下的地方，一个时代的结束了，古老的荣耀与激情而今被新的历史覆盖。 小小汽船拖动巨大的战舰，劈风斩浪，让人惊叹蒸汽机强大的同时，也显示了工业革命和科技的力量。此时，汽船带动的不仅仅是战舰，更是整个世界。透纳的原意是想唤起对失去的感觉，并不是只是为了记录这个事件。大笔渲染的日落和古战舰在同一个水平线上，而新生代的蒸汽拖船则鲜明有力。 [2] 透纳在创作《被拖去解体的战舰无畏号》时已经60多岁了。这幅油画他对大海和天空的绘画技巧堪称精湛。油画以重墨渲染了夕阳在云间的光辉，与船索的细致描绘形成鲜明的对比。
《被拖去解体的战舰无畏号》
《安涅尔浴场》是画家乔治·修拉创作于1884年至1887年的一幅油画。现存于英国伦敦国家画廊。这幅作品是确立了以“点描”为表现手法的画家修拉的第一部大作。当时二十五岁的修拉探求出一种新的技法——点彩法，这种点描技巧是将几种原料并列，但并非直接在调色板上调色，而是利用人的直觉经由大脑所转换的多种颜色的基点，在观赏者眼中呈现出某种色彩。在这幅画中虽尚未确立此种点描技巧，但堪称为所谓新印象派宣言的历史性作品。 此作品描绘了在巴黎西部阿尼埃尔一带塞纳河里享受沐浴之乐的人们。修拉在这幅油画上选择了一个以工业区作背景的洗浴场面，表明题材来自现实生活，只是用点彩画法描绘，以区别其他写实作品。 油画《安涅尔浴场》使用一种微小、一致的点状笔触为描绘的技巧。虽然呈现的是印象主义的风景，但可由画面的构成上，看到更为严密的结构。在人物上则是如雕像般的庄严。这幅画是画家修拉根据他对光与色的研究，及对鲁德发明的色轮的研究而画成的。按这个色轮的原理，画家应把任何两种颜色并列在一起，以达到明快的效果。对修拉来说，“点彩派”这个名称比“新印象派”更为合适。 1884年，修拉以《安涅尔浴场》参加官方沙龙，被评选委员会定为落选作品。遭到拒展后的修拉决定举办独立派沙龙展。同年6月，修拉展出了《安涅尔浴场》，并得到了保罗·西涅克的赞赏。
《安涅尔浴场》 乔治·修拉
1888年4月，已35岁的梵高从巴黎来到阿尔勒，来到这座法国南部小城寻找他的阳光，他的麦田，他的向日葵……梵高创作了大量描绘向日葵的作品。这幅是其中最著名的一幅，现藏于英国伦敦英国国家美术馆。 梵高一生创作了共十一幅向日葵。梵高的艺术是伟大的，然而在他生前并未得到社会的承认。他作品中所包含着深刻的悲剧意识，其强烈的个性和在形式上的独特追求，远远走在时代的前面，的确难以被当时的人们所接受。他以环境来抓住对象，他重新改变现实，以达到实实在在的真实，促成了表现主义的诞生。在人们对他的误解最深的时候，正是他对自己的创作最有信心的时候。因此才留下了永远的艺术著作。他直接影响了法国的野兽主义，德国的表现主义，以至于20世纪初出现的抒情抽象肖像。 《向日葵》就是在阳光明媚灿烂的法国南部所作的。整幅画以黄色为主，像闪烁着熊熊的火焰，满怀炽热的激情令运动感的和仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力，色彩的对比也是单纯强烈的。然而，在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。观者在观看此画时，无不为那激动人心的画面效果而感应，心灵为之震颤，激情也喷薄而出，无不跃跃欲试，共同融入到梵高丰富的主观感情中去。总之，梵高笔下的向日葵不仅仅是植物，而是带有原始冲动和热情的生命体。 其中有十幅在他死后散落于世界各地，只有一幅保存在梵高美术馆。梵高在给他的弟弟的信中提到十二棵与十四棵向日葵的结构分布。他用十二棵向日葵来表示基督十二门徒，他将南方画室的成员定为12人，加上本人和弟弟2人，一共14人。 梵高笔下的向日葵，像一团熊熊的烈火，那样的华丽，那团烈火似乎想要将每个观看过它的人的心燃烧，让每个观看过它的人震惊于梵高的想象力。
《向日葵》 森特·梵高
莫奈的《池塘·睡莲》是印象派的鼎盛时期的代表作品，其中创作于1907年的作品，莫奈的绘画技法和自身的研习都已经到了登峰造极的地步。在看似随意轻松的笔触中却将光线的美感，水面上自然漂浮的睡莲的温柔表现的淋漓尽致，一座漆成绿色的日本式的拱形木桥跨越池塘，水菖蒲、百子莲、杜鹃花科的观赏植物和绣球花环绕并保护着池塘。 水面上漂浮着粉红色的睡莲。柳树和紫藤直泻水面，使水的色调变得更深、更蓝。直到1895年，莫奈才画了第一张池塘和日本桥的画。从1898年起，他又画了些同一题材不同版本的方形的画，其中十来幅曾在杜朗-卢埃尔画廊举办的他的新作展中展出。
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